Se sei vivo spara / Töte, Django / Django kill… if you live, shoot! (1967)

14. November 2017 at 20:00

 

 

© Trose Trading Film/Titanus Distribuzione

 

 

 

„Es gibt nichts Besseres als eine Uniform, um junge Männer schön zu machen. Macht sie schön und pervers, immer nah am Tod.“

 

 

 

Oaks und seine Männer erbeuten durch die Hilfe einiger Mexikaner bei einem Überfall auf Soldaten eine große Menge Gold. Aus Habgier jedoch lässt er die Komplizen von seinen Männer brutal niederschießen. Lediglich ein namenloser Fremder überlebt und wird von zwei Indianern gesund gepflegt. Schon bald nimmt er die Verfolgung von Oaks auf und kann ihn schließlich tatsächlich in einer kleinen Stadt stellen, doch auf die abgrundtiefe Verkommenheit der Einwohner ist er nicht vorbereitet und es bricht im wahrsten Sinne des Wortes die Hölle los.

 

Was habe ich nicht alles gelesen, was habe ich nicht alles gehört über den einzigen  Italo-Western von Giulio Questi. Rau, brutal, nihilistisch, gar menschenverachtend soll er sein und voller moralischer Ambivalenz. Zweifellos ist Se sei vivo spara deutlich mehr als nur eine weitere, oftmals schnell und billig runter gekurbelte Pferdeoper voller Blut, Blei, Dreck und fiesen Gestalten wie so viele andere Vertreter dieses Genres. Tatsächlich mochte Questi Western nicht einmal, aber er erkannte die Möglichkeit einer Allegorie. So bedient er sich vordergründig zwar den gängigen Strukturen und Mechanismen des Italo-Western, erzählt unter der Oberfläche aber von ganz anderen Dingen. Vieles davon geht auf die Zeit zurück, als er zwei Jahre seines noch jungen Lebens Teil des Partisanenkrieges in Italien gegen den Faschismus war, eine Phase, die nicht nur seine Sicht auf die Welt sondern vor allem auch sein künstlerisches Schaffen immens prägen sollte. Wenn Oaks und seine Männer zu Beginn des Filmes in die kleine Stadt kommen, welche von den Indianern nur „Feld des Schreckens“ (The Unhappy Place) genannt wird, bietet sich ihnen ein kaum zu fassendes Bild aus Kindesmissbrauch, Tierquälerei, häuslicher Gewalt und vor allem Gier, Hass, Erniedrigung und Sadismus. Questi lässt sehr schnell keinerlei zweifel daran aufkommen, dass – ausgenommen die beiden Indianer, welche den Fremden pflegen – nicht eine einzige Figur in seinem Film wirklich positiv behaftet ist. Stattdessen regieren Doppelmoral, Bigotterie und Egoismus an jeder Ecke und auch der vermeintliche Antiheld ist keineswegs frei von Schuld. Selbst die Figur des Evan, der einzige moralische Lichtblick und halbwegs unbefleckt in seiner jugendlichen Zartheit, wird letztlich von den schwarz (die Farbe der Faschisten in Italien jener Zeit) gekleideten und uniformierten Schergen des brutalen Großgrundbesitzers Sorrow (Zorro?) gebrochen – eine homosexuelle Vergewaltigung wird zumindest angedeutet – und schließlich in den Selbstmord getrieben. Es ist eine bedrückende Atmosphäre, in der sich Se sei vivo spara regelrecht suhlt, und indem Questi sich geschickt bestimmter Techniken der Inszenierung aus Horrorfilmen bedient, verdichtet er all das nur noch weiter. Es gibt reichlich Genre-atypische Kameraeinstellungen zu bestaunen, gern kombiniert mit einer experimentellen Schnittfolge, und der Score von Ivan Vandor gibt sich abwechselnd ganz bewusst gewollt konventionell für einen Italo-Western, wird jedoch durch seltsam atonale Einschübe immer wieder konterkariert und überschlägt sich im entfesselten Finale geradezu, bei dem all der Wahnsinn, all der Hass und all die Gier im „Unhappy Place“ gnadenlos eskalieren.

 

Es ist wahrlich kein sonderlich bejahendes Menschenbild, welches Questi uns in Se sei vivo spara präsentiert, sondern vielmehr sein ganz persönlicher Abgesang auf sämtliche zivilisatorischen Werte. Der Film bebildert eine gnadenlose Abwärtsspirale des Wahnsinns mit phasenweise surrealen Szenarien und mäandert zwischen dem traditionellen Italo-Western sowie den Werken von Pier Paolo Pasolini (Die 120 Tage von Sodom) und Alejandro Jodorowsky (El Topo). Se sei vivo spara ist ein sehr eigenwilliger Film geworden, zu Weilen durchaus verstörend und ein schwer zu schluckender Brocken, aber eben auch ein faszinierender wie sehenswerter und vor allem enorm ungewöhnlicher Beitrag zu seinem Genre.

 

8 von 10 getretenen Hunden

 

 

Ghost in the Shell

7. November 2017 at 15:21

 

 

© Paramount Pictures

 

 

 

„Everyone around me seems to fit. They seem connected to something, I am… not.“

 

 

 

In der nahen Zukunft hat die Menschheit enorme technologische Fortschritte gemacht, doch trotzdem ist Major die erste ihrer Art und etwas vollkommen neues: ein hochentwickelter Cyborg mit einem menschlichen Gehirn. Sie ist Teil der Spezialeinheit Sektion 9 und einem mysteriösen Hacker auf der Spur, der nach und nach führende Wissenschaftler der mächtigen Hanka Corporation ausschaltet.

 

Hm. Meine Mutter würde sagen: nicht Fisch, nicht Fleisch. Die erste Realverfilmung des berühmten Anime lässt mich ein wenig ratlos zurück, obwohl eigentlich alles im Dreieck aus Blade Runner, Ghost in the Shell und den Romanen und Geschichten von William Gibson mein Interesse weckt. Ich mag zwar das Wort Cyber-Punk nicht besonders, aber auf gerade dieses Genre fahre ich ganz besonders ab. Aber irgendwie vermag ich nicht so recht einzuschätzen, was mir der Film denn nun letztlich sagen will. Denn schließlich ist der Film von Rupert Sanders – dessen erste Regiearbeit Snow White and the Huntsman ich nicht kenne – zweifellos einer, der die Identitätskrise seiner hybriden Protagonistin als komplex und tiefgründig aufarbeiten möchte, doch die melancholische Grundstimmung und die gelungene Optik können nicht darüber hinwegtäuschen, dass die eigentliche Handlung schlicht und geradlinig ist. All diese Themen sind zwar da, werden aber allenfalls oberflächlich angerissen und nicht wirklich in ihrer Bedeutung und Tragweite erfasst. Was an sich ja überhaupt kein Problem wäre, wenn Sanders seiner Vision von Ghost in the Shell dann im Gegenzug mehr Tempo, Druck und Wucht verleihen würde, aber auch das ist nicht der Fall. Größere Actionszenen sind rar gesät und wirken dann auch oftmals seltsam behäbig statt geschmeidig und packend. Beinahe so, als hätten sich die Macher nicht getraut, die philosophische und moralische Komplexität der Vorlage einfach abzustreifen und hinter sich zu lassen und so den Schwerpunkt mehr in Richtung Kinetik und Bewegung zu verlegen. Das hätte mir durchaus besser gefallen, als diese zögerliche Unentschlossenheit, welche sich nun durch den ganzen Film zieht. Besonders tragisch ist das dann noch, wenn man bedenkt, wie radikal die Vorlage ihrer Zeit noch ihre erzählerische Andersartigkeit geradezu zelebriert hat. Etwas mehr von diesem Mut hätte der Realverfilmung sehr gut getan, auch wenn die Richtung letztlich eine andere gewesen wäre.

 

 

© Paramount Pictures

 

 

Visuell sieht die Welt, wie sie Ghost in the Shell hier entwirft, vor allem im Detail wirklich sehr gut aus und erinnerte mich immer wieder an eine Art Johnny Mnemonic mit großem Budget und Hochglanzoptik. Da sind all die abgedrehten Ideen, das ist Dreck und Schmutz, da ist Gewalt und Sex und abgefahrene Körpermodifikationen, alles toll designt und hübsch anzusehen. Aber immer, wenn man Totalen der Stadt sieht, mit all den riesigen Reklame-Hologrammen, gern auch bei Tageslicht, dann wirkt mir das zu hell, zu aufgeräumt und vor allem zu künstlich. Dieser seltsam kontrastierende Effekt irritiert mich zu weilen und lässt den Film stellenweise etwas uneinheitlich wirken. Gerade der noch sehr frische Vergleich zu Blade Runner 2049, dessen Setting ja ganz ähnlich angelegt ist, lässt Ghost in the Shell in seinem world building doch eher schlechter abschneiden. Punktuell orientiert sich Sanders in bestimmten Schlüsselszenen nahezu 1:1 an seinen Vorlagen und versucht zumindest dann, den Geist des Anime auf die Kinoleinwand zu übertragen. Actionszenen sind wie bereits erwähnt zu Gunsten von Atmosphäre und Plot eher sparsam dosiert, leider aber auch oft eher einfallslos in Szene gesetzt. Allein der finale Showdown kommt viel zu generisch daher um erinnerungswürdig zu sein und hat nicht viel zu bieten, was man nicht schon mehrfach anderswo gesehen hätte. Ich bin wirklich ratlos angesichts des Filmes. Vielleicht hätte Ghost in the Shell tatsächlich davon profitieren können, wenn man konsequenter die philosophischen wie moralischen Implikationen in den Hintergrund gerückt und sich mehr zu einer kinetischeren Form der Inszenierung bekannt hätte. So aber bleibt letztlich ein Film, der sich für mich seltsam unentschlossen und wankelmütig anfühlt und sich für komplexer hält als er letztlich ist.

 

5 von 10 gehackten Robo-Geishas

 

 

 

 

Meine fünf Lieblingsfilme von John Woo

6. November 2017 at 23:22

 

Hach ja, das Hong Kong-Actionkino. Ich liebe es heiß und innig. All diese spektakulären Shootouts, die nicht einfach nur platzenden, sondern gleich explodierenden Blutpäckchen, die irren Stunts, beidhändiges Schießen, Zeitlupen, ein Ballett aus Blei und Blut, der Kitsch, all die Gefühle, all diese Männerfreundschaften voller Loyalität und Zuneigung. Wunderbar. Und John Woo ist der Meister dieses Genres, erst er hat es quasi erfunden, dann hat er es perfektioniert, dann ging er nach Hollywood. Das funktionierte nur bedingt, denn die reine Essenz seiner Hong Kong-Filme ließ sich nur zum Teil in westliche Filmkonstrukte überführen, sehenswert waren seine Filme dieser Zeit in jedem Fall und einige von ihnen mag ich auch sehr. Mission Impossible II zum Beispiel finde ich zwar nicht perfekt, aber schon besser als sein Ruf letztlich ist. In der Liste meiner fünf liebsten Filme von John Woo schafft er es allerdings nicht. Und es sind auch nicht seine qualitativ besten Filme, wohl aber meine liebsten von ihm, und um nichts anderes soll es mit dieser Liste gehen.

 

 

 

5. Broken Arrow (1996)

 

© 20th Century Fox

 

 

 

4. Hard Target (1993)

 

© Universal Pictures

 

 

 

3. Hard Boiled/Lat sau san taam (1992)

 

© Golden Princess Film Production

 

 

 

2. The Killer/Dip huet seung hung (1989)

 

© Golden Princess Film Production

 

 

1.Bullett in the Head/ Die xue jie tou (1990)

 

© Golden Princess Film Productions

 

 

 

 

A Tale of Two Sisters (Janghwa, Hongryon)

3. November 2017 at 23:14

 

 

© Cineclick Asia/Big Blue Film

 

 

 

„Do know what’s really scary? You want to forget something. Totally wipe it off your mind. But you never can. It can’t go away, you see. And… and it follows you around like a ghost.“

 

 

 

Nach einem längeren Krankenhausaufenthalt kehren die Schwestern Soo-yeon und Soo-mi gemeinsam mit ihrem Vater zurück ins elterliche Heim und werden dort schon von ihrer Stiefmutter erwartet. Die familiäre Situation ist mehr als nur angespannt und nach und nach scheinen rätselhafte Dinge in dem Haus vor sich zu gehen.

 

Den Film selbst habe ich nun schon etwas länger auf meiner Watchlist, aber eine Besprechung von A Tale of Two Sisters im sehr empfehlenswerten Podcast Kompendium des Unbehagens war dann letztlich Stein des Anstoßes für mich, mir nun auch endlich mal die dritte Regiearbeit des Koreaner Kim Jee-Woon anzusehen. Und was soll ich sagen? Was sich hier hübsch als koreanischer Horrorfilm der eher leisen Gangart tarnt, das entpuppt sich als tief erschütterndes und feinsinnig psychologisches Familiendrama, in dem schnell verschiedene Wahrnehmungen verschwimmen und zu einem diffusen Zerrbild ihrer selbst werden. Schon der Einstieg in den Film gestaltet sich geradezu märchenhaft und sieht einfach wunderschön aus mit all seinen hellen Farben und dem vielen Licht, aber verlagert sich die Handlung erst einmal in das Elternhaus von Soo-yeon und Soo-mi, dann dominieren fortan sehr dunkle Farben und eher die Abwesenheit von Licht. Schnell spürt man, dass da irgendetwas nicht zu stimmen scheint in dieser eigenartig angespannten Familienkonstellation zwischen den beiden Mädchen, ihrem Vater und der Stiefmutter. Etwas scheint unausgesprochen im Raum zu stehen und die Figuren zu trennen, irgendetwas scheint geschehen zu sein, das diese vier Menschen am Esstisch entzweit hat. Anfangs bedient sich Regisseur Kim Jee-Woon noch zahlreicher klassischer Motive aus diversen Bereichen des Horrors und spielt mit Elementen aus dem Haunted House-Genre sowie einigen für das asiatische Horrorkino bekannte Bilder, doch mit zunehmender Handlung wird schnell deutlich, dass all diese Dinge die eigentliche Handlung nur verdecken und es offenbart sich ein zuweilen surreal anmutendes Drama. Das Erzähltempo ist eher ruhig, denn Kim Jee-woon lässt sich viel Zeit mit dem Aufbau der Handlungsstrukturen, aber da ist stets auch eine knisternde, angespannte Atmosphäre gegeben, die selbst alltäglichen Dingen etwas Unheilvolles gibt. Hier gehen Schrecken und Melancholie, Horror und Familiendrama Hand in Hand und werden in eleganter Optik und teils überraschenden Kameraeinstellungen transportiert. Es gibt einige sehr relevante Twists innerhalb der Handlung von A Tale of Two Sisters, welche an dieser Stelle selbstverständlich nicht verraten werden, die aber – so viel kann ich im Vorfeld sagen – sehr, sehr sorgfältig vorbereitet und aufgebaut werden, so dass eine Zweitsichtung definitiv Sinn macht. Kim Jee-woon führt den geneigten Betrachter ab einem gewissen Punkt geradezu unaufhörlich in die Irre und zerstört immer wieder sehr geschickt alle Erklärungen und Lösungen, welche man sich nach und nach für den rätselhaften und manchmal geradezu lynchesken Plot zu Recht gelegt hat.

 

A Tale of Two Sisters ist zweifellos einer der besten Horrorfilme, welche ich in den letzten paar Jahren zu sehen bekommen habe, auch wenn ich ihn gar nicht so sehr in das Genre einordnen würde, bedient er sich dessen Strukturen und Mechanismen eher nur auf der rein formellen Ebene. Stattdessen erzählt Kim Jee-woon von einem psychologisch ganz hervorragend ausgearbeitetem Familiendrama und die tatsächliche Tragik, welche dem Ganzen innewohnt, hat mich letztlich sehr berührt. Es ist einer dieser Filme, welche sich still und leise klammheimlich unter die Haut schleichen und einen gruseligen Schauer nach dem anderen auslösen, sich im Kopf einnisten und dort auch bleiben und noch lange nachhallen. Der Horror ist ausgesprochen subtil, die Atmosphäre ungemein dicht und packend und das alles wird in wunderschönen Bildern festgehalten. Eine wahre Perle des intelligenten Horrors, wie ich ihn so sehr schätze, und eine unbedingte Empfehlung meinerseits an jeden, der Filme dieser Art und auch das asiatische Kino im Allgemeinen zu schätzen weiß.

 

9 von 10 gestörten Familien