Drive (2011)

11. Juni 2022 at 12:22

 

© FilmDistrict

 

 

There are no clean getaways. Manchmal gibt es Filme, die berühren dich, lösen etwas in dir aus. Die sind irgendwie anders. Unvergleichlich. Unvergesslich. Nicht von dieser Welt. Drive ist für mich ein solcher Film. Ein absoluter Ausnahmefilm. Was Regisseur Nicolas Winding Refn hier zusammen mit Drehbuchautor Hossein Amini aus der Romanvorlage von James Sallis erschafft, das sucht wahrlich seinesgleichen. Pure Magie. Die perfekte Vermählung aus räudigem Genrekino und funkelnder Kunst. Eine zarte Liebesgeschichte und zugleich brettharter Neo Noir mit Hang zum Gewaltrausch in Zeitlupe. Visueller wie narrativer Minimalismus in Reinkultur.

 

Refn legt seinen gestalterischen Fokus ganz bewusst eben nicht auf die erzählerische Ebene, sondern nahezu ausschließlich auf die Inszenierung und die geradezu hypnotisch soghafte Wirkung seiner sorgfältig komponierten Bilder. Selbst die Figuren im Film sind kaum mehr als archaisch stereotype Projektionsflächen. Die Bildgestaltung jedoch ist phänomenal geraten, immer extrem überlegt und vollkommen in ihrer Präzision, denn wirklich nichts ist hier dem Zufall überlassen. Stilistisch blitzen immer wieder filmische Vorbilder wie Michael Mann, William Friedkin oder Walter Hill und deren Werke auf.

 

Schon die Eröffnungssequenz zeigt uns nicht nur alles, was wir über den Driver wissen müssen, sie ist auch bezogen auf Timing und Tempo auf den Punkt genau in Szene gesetzt. Hier sitzt einfach alles, jeder Schnitt von Matthew Newman (Walhalla Rising, Only God Forgives, The Neon Demon) und jede Kamerabewegung von Newton Thomas Sigel (Bohemian Rhapsody, Extraction, X-Men: Days of Future Past), alles ist klar, scharf und bloß auf das Nötigste reduziert. Die Action ist sparsam, bedacht, klug gesetzt und überaus effektiv in ihrer Schlichtheit, vor allem aber auch gespickt mit explosiv eskalierender Gewalt.

 

Kontrolle und Reduktion. Ebenso, wie der Driver hinter seinem Lenkrad genau weiß, was er zu tun hat, so weiß es auch Refn hinter der Kamera. Inszenatorische Klarheit und erzählerische Einfachheit, immerzu angetrieben von unbedingtem Stilwillen, aber nie zum reinen Selbstzweck. Seine Bilder sprechen zum Zuschauer. Show, don´t tell. Ein kaum mehr als angedeutetes Lächeln von Ryan Gosling erzählt mehr als es eine ganze Szene könnte. Gesprochen wird nicht sonderlich viel, stattdessen ist Drive oft subtiler und setzt mehr auf Nuancen im Schauspiel, die auch gelesen werden wollen.

 

Es sind die Details: schüchterne Blicke, zwei Hände, die sich kurz berühren, immerzu Spiegel, die sich schließende Tür eines Aufzuges. Eine aufkeimende Liebe, die nicht sein kann, nicht sein darf. Wenn sich dann zu all dem noch der zärtlich wabernde Electro-Score aus der Feder von Cliff Martinez als krönende Kirsche perfekt anschmiegt, dann ist Drive nicht mehr und nicht weniger als ein formalästhetisches Meisterwerk und sicherlich einer der eindringlichsten und bemerkenswertesten Genrefilme der letzten zwanzig Jahre.

 

10/10. Mit Herz. Und überhaupt.

 

 

Pig (2021)

6. Februar 2022 at 20:51

 

 

© Neon

 

 

We don´t get a lot of things to really care about.

 

Ich muss es zugeben: Pig hat mich brutal überrascht. Ich wusste zwar vorher, in welche Richtung es trotz der Prämisse nicht gehen würde, aber ich hatte keine Ahnung, wie sehr mich das Regiedebüt von Michael Sarnoski berühren würde. Und zwar tief und aufrichtig. Beginnend mit dem Potential zu einem handfesten Rachefeldzug im Stile eines John Wick und Konsorten, entwickelt sich Pig schnell wie unerwartet zu einem geradezu zärtlichen, von einer bedrückenden, bleiernen Poesie beseelten, existenziellen Drama. Verlust ist hier das zentrale Thema, und das auf gleich mehreren Ebenen, denn es gibt viele Möglichkeiten, etwas zu verlieren. Oder jemanden.

 

Ein gebrochener Mann kehrt zurück an die Orte, welche ihn einst gebrochen und in die Einsamkeit gezwungen haben. Doch Pig ist nicht nur die Spurensuche nach einem früheren, längst vergangenem Leben, der Film ist so viel mehr. In den leisen Zwischentönen. Ankerpunkte. Rückzugsorte. Brüchig und voller Entbehrungen, aber beständig und vor allem friedlich. Abgeschieden, tief im Wald, nur Rob, sein Trüffelschwein und Fetzen von Erinnerungen an ein anderes Leben. Die einfachen Freuden. Zugleich ist Pig eine Liebeserklärung an das Kochen und diese besondere Magie, welche dabei manchmal entstehen kann, wenn mit Leidenschaft etwas neues erschaffen wird. Oder, wie hier im Finale, durch ein perfekt komponiertes Gericht schmerzhafte Erinnerungen herauf beschworen werden und sich eine schwere Last offenbart.

 

Und trotz einer überschaubaren Laufzeit von rund 90 Minuten lässt sich Michael Sarnoski die nötige Zeit, um seine Geschichte darzubieten. Pig ist in entsättigten Bildern langsam erzählt, ruhig, aber dennoch fesselnd. Und so unaufdringlich die gesamte Inszenierung ist, so angenehm zurückgenommen und erstaunlich nuanciert fällt das Schauspiel von Nicolas Cage aus. Doch auch Alex Wolff (Hereditary) vermag zu glänzen, schafft er es seiner Rolle im weiteren Verlauf doch mehr Tiefe zu verleihen als man anfangs vielleicht vermuten würde. Ja, Pig hat mich wirklich beeindruckt. Eine kluge, eigenwillige und düstere Reise in die hässliche Welt der Sterneküchen.

 

8/10

 

 

Dune (2021)

17. Oktober 2021 at 19:01

 

 

© Legendary Pictures/Warner Bros. Pictures

 

 

Fear is the mind-killer. Fear is the little death that brings total obliteration. I will face my fear, and I will permit it to pass over me. When the fear has gone, there will be nothing. Only I will remain.

 

Keinen anderen Roman habe ich in meinem Leben öfter gelesen als Dune von Frank Herbert. Arrakis, das Spice, die Fremen. Haus Atreides, Haus Harkonnen, der Padischah-Imperator. Intrigen, Verrat, Meuchelmord. Shai Hulud und Lisan al-Gaib, Kanly und Muad´dib. All das übt bis heute eine ungemeine Faszination auf mich aus. Entsprechend groß war meine Vorfreude über die Meldung, dass sich Denis Villeneuve an eine weitere Verfilmung wagen würde und seinen Kindheitstraum erfüllen darf. Incendies, Prisoners, Enemy, Sicario, Arrival, Blade Runner 2049… Wenn nicht er, wer dann?

 

Dune gilt aufgrund seiner komplexen Welt als unverfilmbar, aber das galt auch lange für Herr der Ringe und dann kam Peter Jackson. Alejandro Jodorowsky hat es in den 70er Jahren versucht und ist gescheitert, David Lynch hat es in den 80er Jahren ebenfalls versucht und ist auf andere, sehr besondere Art und Weise gescheitert, und nun versucht es Denis Villeneuve. Und der Franko-Kanadier lässt sich Zeit und entfaltet langsam und sorgfältig die Strukturen rund um den Wüstenplaneten, konzentriert sich sein Film doch vornehmlich auf die erste Hälfte des ersten Buches im Zyklus. Man zeigt uns zunächst nur kleine Ausschnitte einer viel größeren und komplexeren Geschichte und erst nach und nach offenbaren sich die tatsächlichen Dimensionen.

 

Visuell setzt der Film auf teils gigantische Größenverhältnisse, lässt oft die Weiten der Wüste wirken und Landschaft und Gebäude sprechen. Dune ist bildgewaltig, ausladend und schwelgerisch inszeniert, detailverliebt und zugleich reduziert in Bildsprache und Architektur. Kameramann Greig Fraser (Zero Dark Thirty, Killing Them Softly, Star Wars: Rogue One) beweist ein außergewöhnliches Gespür für diese überdimensionalen Strukturen und findet erhabene bis niederschmetternde Bilder. Auf der erzählerischen Ebene hingegen wirkt Villeneuves Film weniger gerafft und spürbar strukturierter und fokussierter als noch bei Lynch. Neulingen in diesem Universum wird der Zugang nicht allzu schwer gemacht, denn Dune gibt sich nicht sonderlich sperrig. Sicher werden Fragen aufgeworfen, der eigentlichen Handlung lässt sich jedoch problemlos folgen.

 

Auch inhaltlich ist Dune recht breit aufgestellt, denn es geht bei weitem nicht nur um eine messianische Heldenreise wider Willen und politische Intrigen. Natürlich steht der von Visionen der Zukunft geplagte Paul Atreides mit seinem Konflikt im Vordergrund, zweifelt er doch auch an seiner Rolle als Heilsbringer, als Mahdi, und sträubt sich, diese anzunehmen. Er will nicht bloß als Projektionsfläche für Motive von Außen dienen, instrumentalisiert durch die Schwesternschaft der Bene Gesserit. Paul ist zwar gut ausgebildet in vielen Bereichen, ein junger Mann, der vielleicht vieles bereits zu wissen glaubt, dem aber auch die mangelnde Erfahrung bei jedem unsicheren Blick ins Gesicht geschrieben steht. Aber darüber hinaus bildet Dune ein komplex erdachtes Geflecht aus Politik, Religion, Ökologie, Imperialismus und Ökonomie und könnte in unserer heutigen Welt kaum relevanter sein. Die Themen, welche Frank Herbert bereits 1965 in seinem Roman aufwarf, sind immer noch erschreckend aktuell.

 

Denis Villeneuve hat meine Erwartungen übertroffen. Seine Vision von Dune sieht aus und fühlt sich an, wie ich es mir in meinem Kopf immer ausgemalt habe. Minimalistisch und episch zugleich, immerzu getrieben vom unbedingten Gestaltungswillen seines Regisseurs. Audiovisueller Bombast, der unbedingt auf die große Leinwand gehört. Für mich das wohl größte und beeindruckendste Filmerlebnis in diesem Jahr, vor allem, aber nicht nur im Kino. Kleinere, persönliche Kritikpunkte fallen da beinahe schon hinten über und können das Erlebnis Dune wenig bis gar nicht schmälern. Der einzige echte Wermutstropfen ist dann wohl das bange Warten auf den zweiten Teil.

 

9/10

 

 

Glengarry Glen Ross (1992)

30. September 2021 at 20:07

 

 

© Zupnik Enterprises/New Line Cinema

 

Kaum zu glauben, dass Regisseur James Foley (Fear, The Corruptor) nach einem solchen Geniestreich wie Glengarry Glen Ross 25 Jahre später Fifty Shades of Grey drehen sollte, aber vermutlich liegt die Genialität viel mehr im Drehbuch aus der Feder von David Mamet (Ronin, Wag the Dog, Spartan) begründet. Glengarry Glen Ross entpuppt sich schnell als bitterböse Parabel auf den so oft beschworenen amerikanischen Traum und als eine pointierte Abrechnung mit dem Neoliberalismus. Ein düsteres Stück Fiktion, welches mehr mit unser heutigen Realität gemein hat, als man eventuell glauben mag, und auch dieser Tage noch von bestechender Relevanz ist. Vielleicht sogar mehr denn je.

 

Beinahe albtraumhaft inszeniert etablieren Foley und Mamet ein geradezu grauenhaftes Szenario, in dem sich jeder selbst nur der Nächste ist. Eine potenzierte Ellbogengesellschaft mit ordentlich Öl im Feuer. Turbokapitalismus in Reinform. Mit voran schreitender Handlung kann man hier Menschen buchstäblich bei der Selbstauflösung zusehen, bloß noch degradiert auf kalte Zahlen als Sklaven des Kapitals. Wertlos und austauschbar, wenn nicht ausreichend abgeliefert wird. Der Film beruht auf dem gleichnamigen und 1983 uraufgeführten Theaterstück von Mamet selbst, aber statt eben jenen Stoff filmischer aufzuarbeiten und entsprechend zu adaptieren, entscheidet man sich lieber für das genaue Gegenteil und stellt diese Künstlichkeit ganz bewusst aus.

 

Die ganze Inszenierung ist sehr bühnenhaft, kühl, zurückgenommen, und auf das Nötigste reduziert, um die geschliffenen Dialoge und das brillante Schauspiel in den Vordergrund stellen zu können. Glengarry Glen Ross setzt also weniger auf eine ausgefeilte Handlung, sondern erzählt sein Drama über die Figuren, deren Sorgen, Nöte und Ängste, komprimiert und hochgekocht in wenigen Tagen. Überwiegend in Innenräumen gedreht steigert das im Grunde nur noch weiter den Druck, bietet sich den Figuren doch keine Möglichkeit auszubrechen. Aufgestaute Emotionen finden keinerlei Ventil, sondern fressen sich immer tiefer in die Protagonisten hinein. Es ist bloß eine Frage der Zeit, bis die Lage eskaliert.

 

Das alles wird garniert mit unfassbar viel darstellerischem Talent und einem Cast mit solch illustren Namen wie Ed Harris, Kevin Spacey, Alan Arkin, Jack Lemmon, Al Pacino und Alec Baldwin, welcher gleich zu Beginn einen unfassbar guten Kurzauftritt hinlegen darf. Seit Killing Them Softly (2012) von Andrew Dominik habe ich keine solch knallharte Abrechnung mit dem american dream mehr erlebt wie in Glengarry Glen Ross. Bloß ist letztgenannter 20 Jahre älter und trotzdem immer noch erschreckend relevant.

 

9/10