Brawl in Cell Block 99 (2017)

29. Juli 2019 at 18:17

 

 

© RLJE Films/Quelle: IMDb

 

 

 

I’d rather knit baby booties with pink yarn than hit people for no reason.“

 

 

 

Um seine Ehe und sein Leben wieder auf die Reihe zu kriegen lässt sich Bradley Thomas auf die Lohnliste des Gangsters Gil setzen, für den er fortan Drogendeals abwickelt. Er ist gut in diesem Job, verdient Geld und 18 Monate später ist seine Frau Lauren hochschwanger. Ein vermasselter Job jedoch bringt Bradley für sieben Jahre ins Gefängnis und kostet den mexikanischen Drogenboss Eleazar viel Geld. Er entführt Lauren und droht, sie und Kind zu töten, wenn Thomas nicht dafür sorgt, in das Hochsicherheitsgefängnis Redleaf verlegt zu werden, um dort einen bestimmten Insassen zu ermorden.

 

S. Craig Zahler festigt Film um Film immer weiter seinen Ruf als herausragender und spannender Regisseur im amerikanischen Genre-Kino. Vermählte noch sein Erstlingswerk Bone Tomahawk (2015) den Western mit Elementen des Horrorfilms, so nimmt sich der Nachfolger Brawl in Cell Block 99 den Crime-Thriller gepaart mit einem Charakter-Drama, nur um im letzten Drittel nach einem stilistisch wie ästhetisch tollen Bruch nach hinten in stark eruptive Exploitation auszubrechen. Nicht unähnlich im Vergleich zum Vorgänger lässt sich Zahler in langen Einstellungen auch hier auffallend viel Zeit und baut sein Setting sehr sorgfältig auf ohne jedoch zu viele Worte zu verlieren und geschwätzig zu werden. Es braucht wenig, um dem Zuschauer eindringlich bewusst zu machen, was für ein Mann Bradley Thomas ist, wenn bereits die Art und Weise der Einführung seiner Figur viel über ihn aussagt.

 

Ein großer, kräftiger, wuchtiger Mann, der seiner Umwelt sehr bewusst und kontrolliert gegenüber tritt, seine Stärke zu kanalisieren weiß, und seinen ganz eigenen moralischen Kodex verfolgt, aber auch zu seinen Fehlern steht und Konsequenzen klaglos annimmt. Vince Vaughn macht das auf der darstellerischen Ebene ganz hervorragend, wandelt zwischen Gewalt und Zärtlichkeit, und verleiht dieser Naturgewalt von Mann gleichermaßen Kraft wie Würde. Er kämpft nicht gern, doch wenn er muss, dann wird es hässlich. So ist es letztlich auch keineswegs der Drang nach Freiheit, welcher ihn antreibt, sondern viel mehr die Angst um seine Frau und sein ungeborenes Kind, die ihn immer tiefer in diese ausweglose Abwärtsspirale der Gewalt treibt. Und auch, wenn Brawl in Cell Block 99 sehr früh nur wenig Zweifel daran aufkommen lässt, wie das alles wohl ausgehen wird, so bleibt er doch durchgängig spannend.

 

Dankenswerter Weise verzichtet Zahler im Gegensatz zu vielen seiner postmodernen Regie-Kollegen auf bewusst ausgestellte Ironie, lästiges Augenzwinkern und bemühte Meta-Ebenen, sondern verlässt sich lieber auf seinen extrem entschlackten, fast schon minimalistischen und gradlinigen Plot, vertraut seinem ausgeprägten Gespür fürs Genre und nimmt seine Figuren aufrichtig ernst. Auch die Gewalt ist überraschend wenig stilisiert, nie ästhetisch choreografiert, nicht filigran, sondern brutal, schmerzhaft und vor allem zweckorientiert und auf Zerstörung ausgerichtet. Zahler inszeniert diese teils ungemein harten Szenen auffallend langsam, meist in Totalen, und lässt Körpern Raum sich zu bewegen, sich zu suchen und zu finden. Das Ergebnis ist besonders im vermutlich jetzt schon berüchtigten letzten Drittel vitales, Knochen brechendes, Knorpel knackendes und Fleisch zermalmendes Körperkino.

 

8,5 von 10 mit der Faust eingeschlagenen Seitenscheiben

 

 

Blue Velvet (1986)

22. Juli 2019 at 11:31

 

 

© De Laurentiis Entertainment Group

 

 

 

I’m seeing something that was always hidden. I’m in the middle of a mystery and it’s all secret.“

 

 

 

It´s a strange world, isn´t it? Der Misserfolg von Dune (1984) klang noch nach, da warf sich David Lynch mit Blue Velvet in sein nächstes Projekt und nahm sich hierfür einem seiner Lieblingsthemen an: die brodelnden Abgründe hinter der kleinbürgerlichen Fassade aus akkurat gepflegten Rasenflächen, Rosenbüschen und weißen Gartenzäunen. Blue Velvet nimmt bereits viel von dem vorweg, was Lynchs spätere Arbeiten ausmachen sollte, gibt sich in seiner ganzen Inszenierung jedoch noch deutlich zugänglicher und weit weniger sperrig als beispielsweise Lost Highway (1997) oder Mulholland Drive (2001). Das Surreale wird zwar zweifellos angedeutet und findet auch hier seinen Platz, bleibt aber eher losgelöst von der geradlinigen und in sich schlüssigen Detektiv-Geschichte innerhalb des Plots. Lynch zeichnet hier einen düsteren und geradezu verstörenden Albtraum, bevölkert von zahlreichen Archetypen des klassischen Film Noir, und spielt immerzu mit dem Verhältnis zwischen Beobachter und Objekt der Beobachtung, verschiebt permanent Perspektiven, und lotet mit scharfem wie klugen Blick vor allem Machtverhältnisse aus.

 

Blue Velvet ist ein Film über das Sehen, der den Zuschauer zu seinem Komplizen macht. Obsession, Lust, Begierde, Schmerz, Sex, Gewalt und Kontrolle oder deren Verlust werden hier verhandelt, wenn aus der Konfrontation zwischen Kleinstadt-Idylle und pervertierter Unterwelt eine enorme innere Spannung entsteht. Es ist der Reiz des Verbotenem, der Jeffrey antreibt und immer tiefer in diesen mörderischen Strudel reißt, das Gefühl, einen Blick auf eine Welt zu erhaschen, welche so niemals seine wird sein können, auch nie für seine Augen bestimmt war und ihn dennoch so ungemein fasziniert. Eine Welt hinter der Welt. Nach und nach zerstört Lynch die trügerische Idylle, nach und nach bröckelt die Fassade und offenbart immer größere Abgründe. Dabei sind Jeffrey und Sandy naiv, beinahe schon kindlich in ihrem Detektiv-Spiel, und vollkommen ahnungslos, wem oder was sie da auf der Spur sind. Die Ereignisse sind in eine ganz wunderbare erzählerische Klammer eingebettet, wenn alles mehr oder weniger endet wie es begonnen hat, doch etwas ist anders. Jeffrey bekam Einblick in eine verstörende Welt und weiß nun um die Ambivalenz der Dinge und Menschen um ihn herum. Lynch wäre nicht Lynch, wenn er nicht doch noch einen Widerhaken einbauen würde und entlarvt so die Falschheit dieser vermeintlichen Idylle am Ende gnadenlos.

 

Grundsätzlich ist Blue Velvet voller hochgradig ambivalenter wie vielschichtiger Figuren, die zwar wenig über sich persönlich preisgeben und doch allein über ihre Handlungen tiefe Einblicke in ihr Innenleben gewähren. Der Cast ist herausragend gut besetzt bis in die kleinste Nebenrolle: Dennis Hopper, Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Laura Dern, Dean Stockwell, Brad Dourif und Jack Nance spielen zum Teil geradezu beängstigend gut. Vor allem Hopper als Frank Booth liefert eine absolute Meisterleistung, welche man so schnell nicht wird vergessen können, aber auch Rossellini als Dorothy Vallens stellt sich mit einer hinreißenden Komplexität Gefühlen, an die sich sonst wohl kaum jemand heranwagen würde. Seiner Zeit war Blue Velvet mehr als nur umstritten, wurde abgestraft und von den Kritikern gnadenlos verrissen, doch heute ist er einer der vielleicht wichtigsten amerikanischen Filme der 80er Jahre. Eine unbequeme Herausforderung, die vordergründig wenig bis keine Freude beim Zuschauer auszulösen vermag, eine schäbige Welt ohne Reiz oder gar Schönheit, und doch kann man sich nur sehr schwer von ihr lösen. Weder die Figuren in ihr, noch der Zuschauer selbst. Lynch hält uns allen den Spiegel vor. Now it´s dark.

 

10 von 10 ausgestopften Rotkehlchen

 

 

Two-Lane Blacktop (1971)

5. Juli 2019 at 21:22

 

 

© Universal Pictures/Quelle: IMDb

 

 

 

Performance and image, that’s what it’s all about.“

 

 

 

Zwei namenlose Typen fahren mit ihrem schwer aufgemotzten 55er Chevy quer durchs Land und verdienen sich das nötige Geld fürs Überleben mit Straßenrennen. Als sie mehrfach dem Fahrer eines Pontiac GTO begegnen, fordern sie ihn schließlich zu einem Rennen auf: wer zuerst in Washington ist, der soll den Wagen des Verlierers gewinnen.

 

Mit Two-Lane Blacktop ist Regisseur Monte Hellman einer der vielleicht besten Filme im Fahrwasser von Easy Rider (1969) gelungen und doch hat es rund 30 Jahre gedauert, bis ihm sein Status als großer amerikanischer Klassiker auch endlich zugestanden wurde. Ein Film über Autorennen, der im Grunde nichts mit Autorennen zu tun hat, und diese lediglich als Vehikel für ein geradezu existenzialistisches Drama benutzt. Ein Roadmovie in seiner reinsten Form, ebenso entkernt auf das absolut Nötigste wie der 55er Chevy, mit dem Hellman den Hippie-Glanz eines Easy Rider demontiert und entmystifiziert und stattdessen lieber vom Zerplatzen des viel zitierten American Dream erzählt. Die grenzenlose Freiheit auf endlosen Straßen ist auch nur eine Illusion, sind der Driver und der Mechanic letztlich doch nur Typen, die feststecken: in ihren Autos wie in ihrem Leben. Getriebene, die doch nie ankommen. Two-Lane Blacktop ist ein Film der Einsicht, der Ernüchterung und der Erkenntnis, und doch schwingen da weder Bitterkeit noch Trotz mit, weder Resignation noch Bedauern.

 

Natürlich ist der Film stark geprägt von seiner Zeit und doch ist er irgendwie seltsam zeitlos, vielleicht weil diese Sehnsucht nach Freiheit universell ist, immer aber auch ihre Tücken birgt. Two-Lane Blacktop ist ganz klar ein Stimmungsfilm, ein Mood-Movie, und nur am Rande interessiert an handlungsorientiertem Erzählen. Er ist stark dialogarm und voller wortreichem Schweigen statt leerer Worthülsen, und wenn gesprochen wird, dann meist bloß über technische Details von Autos. Ich habe von Autos keinen blassen Schimmer, nicht mal einen Führerschein besitze ich, und doch übt das alles eine große, fast schon magische Faszination auf mich aus. Dazu kommt eine intuitive Schauspielleistung, denn außer dem wunderbaren Warren Oates als GTO ist keiner der Darsteller auch Schauspieler. James Taylor als Driver und Dennis Wilson als Mechanic (ja, der Drummer der Beach Boys) sind Musiker und haben nur diesen einen Film gedreht und auch Laurie Bird als The Girl hat nur in insgesamt drei Filmen mitgespielt. Auf das Nötigste reduziert ist Two-Lane Blacktop also in jeglicher Hinsicht: die Story ist extrem rudimentär und gerät später ganz aus dem Fokus, die Figuren im Film haben allesamt keinen Namen und einen klassischen Score gibt es auch nicht, sondern nur vereinzelt Songs aus dem Radio und einen Klangteppich aus röhrenden Motorengeräuschen auf der Straße und klapperndem Geschirr in namenlosen Restaurants. Und dann ist der Film zu Ende, plötzlich, einfach so.

 

8 von 10 Mal Anhalten, um den Motor zu checken

 

 

Mid90s (2019)

19. Mai 2019 at 17:29

 

 

© A24/Quelle: IMDb

 

 

 

That’s why we ride a piece of wood, like, what that does to somebody’s spirit.“

 

 

 

Der dreizehnjährige Stevie hat es nicht immer leicht. Die Mutter ist alleinerziehend, der ältere Bruder verprügelt ihn regelmäßig und Freunde hat er auch nicht so richtig. Auf der Suche nach Rückhalt lernt er eine kleine Gruppe älterer Skater kennen, die ihn schließlich in ihren Kreis aufnehmen. Zum ersten Mal erfährt Stevie richtigen Zusammenhalt, muss aber auch erkennen, dass es so mancher weit schwerer im Leben hat als er.

 

Fall. Get back up. Mid90s ist nicht nur das enorm selbstbewusste Regiedebüt von Jonah Hill, sondern vor allem auch ein ganz wundervolles Coming of Age-Drama und eine melancholische Liebeserklärung an eine seltsam orientierungslose Lebensphase. Dabei skizziert Hill mit viel Feingefühl und einem guten Auge fürs Detail ein ungemein authentisches Bild einer ganzen Szene und noch nie zuvor wurde dieses ganz bestimmte Lebensgefühl des Skatens so gut eingefangen. Die Entscheidung, auf 16mm Filmmaterial und im 4:3 Format zu drehen beschwört nur zusätzlich diesen ganz besonderen Zeitgeist. Man spürt deutlich, dass ihm Mid90s, wenn schon nicht autobiografisch geprägt, zumindest ein persönliches Anliegen ist und er eigene Erinnerungen mit einwebt. Zwar ist der Film weniger Plot getrieben und mehr eine Ansammlung von Momentaufnahmen, doch diese wissen aufrichtig zu bewegen ohne sich künstlich aufzubauschen.

 

Auch, weil der Cast rund um Sunny Suljic famos ausfällt und sich überwiegend aus Teenagern ohne große Schauspielerfahrung zusammensetzt, auf die Hill in Skateparks stieß. Unzählige Momente in diesem Film kenne ich selbst nur zu gut und kann sie zu 100 Prozent nachvollziehen: die Art der Ersatzfamilie, der Skateshop, die Videos, die Stürze, das wieder Aufstehen, das zusammen Abhängen, der erste gemeisterte Trick, das alles war auch Teil meiner Jugend. Es gibt eine geradezu magische Szene, in der Stevie sein erstes richtiges Board bekommt, und Hill zelebriert diesen Moment regelrecht, nimmt sich ganz bewusst die Zeit, das auszukosten. Wundervoll! Mid90s atmet und man spürt immerzu diese unbändige Liebe aller Beteiligten. Hill erschafft eine ungezwungene und authentische Atmosphäre voller Gefühl und Verstand ohne sich plakativ anbiedern zu müssen, weit weg von dieser oftmals erdrückenden Retromanie diverser Filme und Serien der letzten Jahre. Sein Film ist eben nicht museal angestaubt, sondern viel mehr frisch und aufrichtig in jeder einzelnen seiner rund 85 Minuten Laufzeit. Für mich ohne jeden Zweifel einer der schönsten Filme bisher in diesem Jahr.

 

8,5 von 10 Mal auf die Nase fallen und genauso oft wieder aufstehen