Possessor (2020)

16. Januar 2022 at 18:52

 

 

 

© Elevation Pictures/Signature Entertainment/Telefilm Canada

 

 

Wie der Vater, so der Sohn? Nun, ganz so einfach ist es dann doch nicht. Mit seinem nunmehr zweiten Langfilm nach Antiviral (2012) tritt Brandon Cronenberg zwar scheinbar in die Fußstapfen seines Vaters, stellt aber mindestens ebenso sehr seine ganz eigene filmische Handschrift unter Beweis. Allein schon auf der formalästhetischen Ebene ist Possessor ausnehmend gut gelungen. Die Bildsprache ist kühl, präzise, manchmal geradezu schneidend und voller motivischer Dopplungen.

 

Die Kamera von Karim Hussain (Hobo with a Shotgun, Antiviral) arbeitet viel mit Farben und Licht und vermag immer wieder Bilder und Einstellungen zu finden, welche ganz hervorragend die inhaltliche Ebene aufgreifen und mit ihr spielen. Besonders die Transformations-Szenen bestechen durch enorme Kreativität. Das alles in Kombination mit den düsteren, sphärischen Klängen von Jim Williams (Kill List, Raw, Titane) und einem ausgefeilten Sounddesign lassen eine einnehmende, geradezu soghafte Atmosphäre entstehen.

 

Allein die Auftaktsequenz: ein Close-Up, eine Penetration, kurz und schnell, etwas Spitzes dringt in weiches Fleisch ein. Warmes Blut sprudelt hervor, Menschen schreien in Panik. Noch mehr Stiche, schließlich Schüsse. Trotz dieses Einstieges in den Film findet grafische Gewalt in Possessor nur punktuell und sehr pointiert statt, doch wenn, dann überaus drastisch und schmerzhaft. Nur schwer zu ertragen, aber nie zum reinen Selbstzweck inszeniert oder gar voyeuristisch angelegt, sondern immer auch glaubhaft in den Kontext der Handlung eingebunden. Es ist schon faszinierend zu sehen, dass im Genrekino durch das Zerstören und Aufbrechen eines menschlichen Körpers mehr über gesellschaftspolitische Schieflagen erzählt werden kann als durch so manche wohl formulierte Wortkaskade.

 

Überhaupt lässt Possessor diverse Deutungsebenen zu und jongliert zugleich mit verschiedensten Ideen, Motiven und Themen. Manipulation und Paranoia. Befreiung und Unterwerfung. Kontrolle, deren Verlust und der Kampf darum. Die Beschaffenheit von Identität. Die Grenzen des menschlichen Bewusstseins und deren Auflösung, des Körpers sowieso. Der moderne Kapitalismus und dessen übergriffige Ausdehnungen in jeden noch so kleinen Lebensbereich. Folgen fortschreitender Digitalisierung. Selbst das wirtschaftliche Konzept einer feindlichen Übernahme wird ihm Rahmen des Drehbuches in eine ganz neue Richtung gedacht.

 

Und über all dem schwebt die geradezu geisterhafte Erscheinung von Andrea Riseborough (Mandy, Nocturnal Animals, Oblivion), die in ihrer Rolle der Tasya Vos eine unglaublich starke Performance abliefert. Buchstäblich immer mehr zerrissen zwischen Arbeit und Familie verschwimmen die Grenzen ihrer Persönlichkeit zunehmend. Sich immer mehr in einen Strudel aus Exzess und Gewalt verlierend, kulminiert Possessor in einem brillant eingefädelten Schlusspunkt, welcher niederschmetternder kaum sein könnte.

 

Brandon Cronenberg macht es dem geneigten Zuschauer nun wahrlich nicht einfach. Possessor ist sperriges, forderndes und zuweilen verstörendes wie gleichermaßen kluges und wunderschönes Genrekino. Manchmal pulsierend warm, dann wieder eisig beklemmend. Mehr intensive Erfahrung als Vergnügen. Blut und Schmetterlinge, miteinander verschmolzene Psychen und aufgebrochene Körper.

 

9/10

 

 

 

 

Darling (2015)

6. November 2021 at 17:17

 

 

© Screen Media Films

 

 

Abyssus abyssum invocat. Manchmal gibt es sie noch: diese kleinen Filme, die einen hinterrücks so richtig überrumpeln. Darling von Regisseur und Drehbuchautor Mickey Keating ist ein solcher. Offensichtlich stark von Roman Polanskis Werken Ekel (1965) und Der Mieter (1976) inspiriert, vermochte mich sein vierter Film wirklich zu überraschen. Erstaunlich stilsicher komponiert er zusammen mit der Kamera von Mac Fisken betörend schöne Bilder in kunstvollem Schwarzweiß. Gleichzeitig aber arbeitet Keating mit inszenatorischen Techniken wie schnellen Schnitten, pointierter Lichtsetzung, Stroboskopeffekten und Störgeräuschen auf der Tonspur gegen etablierte Sehgewohnheiten an. Der so entstehende tonale Bruch verleiht Darling eine gewisse dunkle, pulsierende Lebendigkeit.

 

Gesprochen wir nicht viel und Dialogszenen sind eher spärlich gesät, setzt Keating doch viel lieber auf die suggestive Kraft seiner Bildsprache. Diese dann in Kombination mit einem messerscharfen Sounddesign und dem kontrastreichen Score erschaffen eine unglaublich hypnotische Wirkung, soghaft, einnehmend und unterschwellig beunruhigend. Die Handlung unterteilt sich in sechs Kapitel und Darling ist mit einer Laufzeit von rund 78 Minuten überschaubar geraten, hätte aber auch kaum länger ausfallen dürfen. Über all dem schwebt die unheilvolle Performance der fantastischen Lauren Ashley Carter als titelgebende Darling, die ihren Abstieg in den Wahnsinn als kraftvolle Tour de Force ausspielt. Diese Augen. Ihre großen dunklen Augen fesseln, zunächst noch niedlich schüchtern, später dann weit aufgerissen und erfüllt vom Irrsinn wie eine psychopathische Version von Audrey Hepburn.

 

Darling hat mich überrascht. Darling hat mich fasziniert, mich angezogen, mich verstört. Darling ist ein filmisches Experiment, mutig und gewagt, so sehr entgegen üblichen Sehgewohnheiten inszeniert. Nicht perfekt, nicht makellos, aber wuchtig, kantig, sperrig, unangenehm.

 

7,5/10

 

 

No Time to Die (2021)

26. Oktober 2021 at 18:18

 

© MGM/Universal Pictures

 

 

 

The function of man is to live, not to exist. I shall not waste my days in trying to prolong them. I shall use my time.

 

So also endet die Ära Daniel Craig. Laut, mit einem Knall, aber dennoch seltsam kraftlos. Die übergeordnete erzählerische Struktur, der aufgezwungene rote Faden, das hat für mich bei Spectre und Blofeld schon nicht funktioniert. Plötzlich soll alles miteinander verflochten sein, koste es, was es wolle. Bloß ergibt sich einfach kein rundes Gesamtbild und stattdessen hakt es an allen Ecken und Enden. Irgendwie will hier nichts für mich so richtig zusammen passen. Dabei finde ich Bonds Entwicklung vom stumpfen Killer im Auftrag seiner Regierung angefangen mit dem bis heute grandiosen und wegweisenden Casino Royal bis hin zu etwas emotionaler Tiefe und psychologischem Gespür für die Figur vor allem in Skyfall überaus spannend.

 

Mit einer Laufzeit von rund 163 Minuten ist No Time to Die allerdings zu lang geraten und ist vor allem im Mittelteil erstaunlich ereignislos. Überhaupt ist hier Action eher rar gesät und Daniel Craig wirkt müde. Die großen Actionszenen kennt man mehr oder weniger aus den Trailern, ansonsten mangelt es nicht selten an Zug und Druck und vieles wirkt generisch. Allein die etwa 20 minütige Sequenz auf Kuba rund um Ana de Armas vermag wirklich zu unterhalten. Dazu bietet das Drehbuch, das durch viele Hände ging, den einen oder anderen Nebenplot ohne nennenswerte Relevanz für die eigentliche Story. Gleiches gilt für so manche Nebenfigur, deren Handlungen zu nichts beitragen und ohne Konsequenzen bleiben. Außer so manchem Fanservice-Moment bleibt da nicht viel. Hier stellt sich mir auch die Frage, warum man Phoebe Waller-Bridge (Fleabag, Killing Eve) unbedingt noch hinzuziehen wollte, merkt man von ihren bisherigen Arbeiten im fertigen Film letzten Endes gar nichts.

 

Überhaupt wird in No Time to Die auf der erzählerischen Ebene vieles nur behauptet und nicht wirklich glaubwürdig ausgespielt. Die Beziehung zwischen Bond und Swann? Konnte mich emotional so gar nicht abholen. Alles nur Behauptung, da ist nichts unterfüttert. Da wirkt der finale Akt mit all seinen Wendungen aus dem Nichts und seiner aufgesetzten Gravitas beinahe schon komisch. Handwerklich ist das alles erwartungsgemäß Spitzenklasse, aber inhaltlich, erzählerisch und vor allem auf der emotionalen Ebene ist mir das alles viel zu dünn. Nicht so unerträglich wie Quantum of Solace, aber auch weit weg von Skyfall und besonders von Casino Royale.

 

5/10

 

 

Beckett (2021)

29. August 2021 at 18:21

 

 

© Netflix

 

 

Nach seinem Debüt Antonia (2015) und der äußerst fruchtbaren Zusammenarbeit als Second Unit Director mit Luca Guadagnino für Call Me by Your Name (2017) und Suspiria (2018) liefert Regisseur Ferdinando Cito Filomarino nun mit Beckett seinen zweiten Langfilm. Vor der Kulisse der kargen und schroffen Berglandschaft Nord-Griechenlands fernab jeglicher touristischer Romantik entfaltet sich nach eher zähem Beginn eine angenehm bodenständig inszenierte Anlehnung an das Polit-Thriller-Kino der 70er Jahre. Der Zuschauer hat lange auch immer nur das Wissen, welches der von John David Washington verkörperte Protagonist hat. Ein Umstand, der dem Paranoia-Faktor und einem konstanten Gefühl der Bedrohung durchaus zuträglich ist.

 

Jeder könnte hier Teil der Verschwörung sein, in welche Beckett zufällig hinein gestolpert ist, jeder könnte ihm nach dem Leben trachten wollen. Das wird dann im letzten Drittel während einer Demonstration in Athen auf verschiedenen Bildebenen besonders gut ausgespielt. Dazu erschafft der Score aus der Feder von Ryuichi Sakamoto (The Revenant) in der Kombination mit den Bildern von Kameramann Sayombhu Mukdeeprom (Suspiria, Call Me by Your Name) eine manchmal geradezu unheilvolle Atmosphäre. Leider entpuppt sich die Auflösung der Bedrohung letztlich als recht enttäuschend und Beckett trägt im Finale dann doch etwas zu dick auf. Das schmälert zwar ein wenig das Gesamtpaket, unterm strich jedoch lässt Filomarinos zweiter Film durchaus aufhorchen.

 

6,5 von 10