Overlord (2018)

12. November 2018 at 16:05

 

 

© Paramount Pictures/Quelle: IMDb

 

 

 

A thousand year Reich needs thousand year soldiers.“

 

 

 

Eine kleine Gruppe Soldaten soll im 2. Weltkrieg in einem von Deutschen besetzten Dorf in Frankreich einen Funkturm ausschalten, damit die Landung in der Normandie beginnen kann. Das Unternehmen droht bereits zu Beginn zu scheitern, als das Flugzeug der Fallschirmspringer über dem Zielort abgeschossen wird und nur noch eine handvoll Soldaten überleben. Und schlimmer noch: in dem Dorf angekommen müssen sie schon bald erkennen, was dort grausiges wirklich vor sich geht.

 

Mit einer eindringlichen Eröffnungssequenz wirft sich Julius Avery mit seiner zweiten Regiearbeit Overlord direkt und ohne Umschweife ins (Schlacht)Getümmel, ohne jedoch gleich zu Beginn all sein Pulver zu verschießen. Was nämlich noch als geradliniger Kriegsfilm zu beginnen scheint, dass soll schon bald andere Genrepfade betreten. Sadistische SS-Offiziere, größenwahnsinnige Nazi-Wissenschaftler, grausame Experimente und unmenschliche Kreaturen: Overlord bietet so ziemlich alles, was ein guter Exploitation-Reißer brauchen könnte und Avery erschafft daraus einen herrlich reinrassigen, kantigen und schmuddeligen Genre-Film mit äußerst ansehnlichem Budget, verzichtet im Gegenzug jedoch dankenswerter Weise auf ätzend ausgestellte, augenzwinkernde Ironie. Stattdessen nimmt sich Overlord angenehm ernst, tappt eben gerade nicht in die Funsplatter-Falle und kommt wie eine vom Spaß befreite Verfilmung der Videospiel-Reihe Wolfenstein daher.

 

Sicherlich vermag Avery mit seinem Film auf der inhaltlichen Ebene nichts grundlegend Neues zu erfinden oder könnte gar intellektuell fordern, doch das will er auch gar nicht, wenn er sich viel lieber seiner straighten B-Movie Herkunft vollkommen bewusst ist und sich gerade daran ergötzt. Overlord ist geradlinig wie kompromisslos und effektiv inszeniertes Genre-Kino, das eine dichte Atmosphäre zu erschaffen vermag und es ausgesprochen gut versteht, mit seinen Effekten zu haushalten, statt den Protagonisten Monsterwelle um Monsterwelle entgegen zu schleudern. Hier gilt Qualität statt Quantität, wodurch sich Overlord auch nie der Lächerlichkeit preisgibt. Einen solch pulpigen Film dieser Tage mal wieder auf der großen Kinoleinwand erleben zu können, mit toller Ausstattung und einem wahrlich famosen Sounddesign, welches den Saal geradezu beben lässt, und der sich dazu noch so erfrischend ernst nimmt und auf Ironie verzichtet, das hat mein Genre-Herz über alle Maßen erfreut. Am liebsten wäre ich beim Abspann aufgesprungen und hätte applaudiert.

 

8 von 10 Flammenwerfern

 

 

Lost River

20. Oktober 2016 at 19:58

 

 

© Warner Bros. Pictures

 

 

 

„You know, in my country, in my place, when you heard about America, everybody say, ‚There’s so much money there,‘ and, ‚You’re gonna have a big car, big house, and a swimming pool,‘ and… and, ‚You’re gonna catch the money on the floor, and just have to take it and pick it up.‘ And finally it’s different. But you realize when you arrive here, it’s different. So, everybody’s looking for a better life somewhere. It’s like that. And maybe we’ll find some… one day.“

 

 

 

Der junge Bones lebt mit seinem kleinen Bruder Franky und seiner Mutter Billy in einem heruntergekommenen Viertel einer namenlosen Stadt, welches immer mehr seiner Bewohner verlassen und das dem Verfall zusehends zum Opfer fällt. Während Billy verzweifelt versucht irgendwie die Hypothek des Hauses abzuzahlen und auf das zwielichtige Jobangebot des Bankmanagers Dave eingeht, muss sich Bones mit dem fiesen Bully auseinander setzen, der das Viertel unter seiner Kontrolle hat und jeden dort terrorisiert.

 

Was musste sich Ryan Gosling nicht alles anhören für sein Regiedebüt? Verlacht und verspottet bei seiner Premiere während der Internationalen Filmfestspiele von Cannes 2014, verrissen und in Grund und Boden geschrieben von den Kritikern. Scheinbar niemand wollte oder konnte ein gutes Haar an Lost River lassen, zu uninspiriert sei der Film, Gosling zu selbstverliebt in seiner Inszenierung und zu sehr würde er sich offensichtlich und plump bei Regisseuren wie Nicolas Winding Refn, David Lynch, Terrence Malick und Gaspar Noé bedienen, ja, diese sogar schamlos kopieren. Überhaupt habe ich immer auch ein wenig das Gefühl, dass Ryan Gosling gerne mal etwas vorschnell in eine Schublade gesteckt wird, die ihm nun wirklich nicht passt. Betrachtet man seine Filmografie ein wenig näher, dann wird schnell klar, dass Gosling mit The Notebook, Blue Valentine und Crazy, Stupid, Love nur drei Abstecher in den Bereich romantischer Filme unternommen hat und dennoch oft genau damit verbunden wird. Dabei hat der Mann zum Teil grandiose Filme wie Drive, Half Nelson, The Ides of March, Lars and the Real Girl oder The Place Beyond the Pines gemacht, was zweifelsfrei belegt, dass er deutlich kreativer und facettenreicher ist als er oft wahrgenommen wird. Zudem ist er noch Teil der schaurig-schönen, herrlich makaber-schrägen Indierock-Band Dead Man´s Bones, die sich irgendwo zwischen Tom Waits, Nick Cave und der Gotik eines Tim Burton bewegt. Aber genug davon, wenden wir uns nun seinem Regiedebüt Lost River zu, einem Film, der seine Geschichte sehr viel mehr über Bilder, Stimmung, Impressionen und Atmosphäre erzählt als klassisch narrativ über Inhalte, und diffusen Gefühlen gegenüber klaren Worten eindeutig den Vorzug gibt. Sicherlich sind Refn, Lynch, Malick und Noé als deutliche Bezugspunkte in Goslings filmischen Koordinatensystem auszumachen, aber aus seinen Inspirationsquellen formt er lieber seine ganz eigene Vorstellung einer fieberhaft-surrealen wie märchenhaft-entrückten Welt. Von schamlosen Kopieren und dem Mangel an eigenen Ideen ist in Lost River nun wirklich nichts zu spüren.

 

 

 

„Well, it’s a place for people to get wild for the night. Fuck being polite.“

 

 

 

Stattdessen inszeniert Gosling eine ebenso bildgewaltige wie abstrakte Parabel über den Kapitalismus und rückt den Zusammenbruch des American Dream noch sehr viel deutlicher in den Vordergrund als Killing Them Softly von Andrew Dominik. All die Hypotheken, vergeben von Banken an Menschen, die sich dieses nur augenscheinlich billige Geld eigentlich nie leisten konnten, und letztlich die geplatzte Blase, der große Zusammenbruch, haben nicht nur in Detroit, dem großen Sinnbild der Finanzkrise, ganze Stadtteile in Geisterstädte verwandelt. Und so ist der kalkulierte Wahnsinn dieses perfiden Geschäfts mit menschlichen Existenzen nicht nur der ideale Ausgangspunkt für Goslings höllische Version des American Dream, sondern auch dessen Triebfeder. Detroit dient Lost River als Kulisse, doch statt sich windend im Elend zu wälzen, nutzt der Film lieber sehr geschickt die surreale Atmosphäre, um ein schlichtes wie bedrückendes Drama von Verfall und Zusammenbruch zu zeichnen und entwirft eine Welt, die in ihrer Form zwar nicht existiert, uns aber dennoch sehr viel über unsere Gegenwart zu erzählen vermag wie ein düsteres Märchen voller comichaft übersättigter Farben und grotesker Auswüchse mit zweifelhafter Moral. So ist Lost River auch Teil einer noch recht jungen Art von Film, welche die Kehrseite des American Dream beleuchtet und in seinem Mutterland nicht sonderlich beliebt ist, steht Seite an Seite mit Filmen wie dem bereits erwähnten Killing Them Softly, Mud, Out of the Furnace, Killer Joe, Winter´s Bone und noch einigen mehr, die sich dem White Trash annehmen, verleiht dem ganzen aber darüber hinaus einen enorm surrealen Anstrich. Bilder, Farben und Musik verschmelzen hier zu einer Art Rauschkino, welches einen nicht wieder loslassen wird, so fern man sich von etablierten Erzählstrukturen lösen kann, denn Gosling erzählt mehr nur über Impressionen und Momentaufnahmen als jedes Wort im Drehbuch es könnte.

 

Für das Regie- und Drehbuchdebüt eines Schauspielers, der ohnehin schon viel zu oft falsch wahrgenommen wird, ist Ryan Goslings Lost River doch sehr beeindruckend, konsequent und selbstbewusst ausgefallen. Von all den Vorwürfen und Kritiken im Vorfeld kann zumindest ich nichts bestätigen. Der Film bedient sich einer geradezu aufreizend schönen wie nicht weniger fieberhaften und surrealen Bildsprache, ist visuell unglaublich kraftvoll und entführt in eine seltsam entrückte Märchenwelt, welche zudem noch die Schattenseiten des American Dream aufarbeitet. Das ist mutiger als so manch etablierter Regisseur in seinem Schaffen.

 

8 von 10 brennenden Fahrrädern