Come to Daddy (2019)

28. Juli 2020 at 18:55

 

 

© Saban Films/Mongrel Media/Quelle: IMDb

 

 

 

Semen contains more protein and nutrients than an ear.“

 

 

 

Norval Greenwood erhält nach Jahrzehnten der Abwesenheit einen Brief von seinem Vater. Einst von ihm als Kind verlassen, ist er nun doch neugierig, warum er ihn nach all den Jahren plötzlich wiedersehen will. Also macht sich Norval auf den Weg zum abgelegenen Haus seines Vaters, doch dessen bald schon offene Feindseligkeit ihm gegenüber lässt die ohnehin schon angespannte Situation eskalieren.

 

Shakespeare, Beyoncé und The Paradise Bangkok Molam International Band. Come to Daddy ist das Regiedebüt des Neuseeländers Ant Timpson, der sich bisher eher als Prodzuent für Filme wie Housebound, Deathgasm, Turbo Kid oder The Greasy Strangler einen Namen machen konnte. Ein Hang zum Genrekino scheint also gegebenen und in diese Richtung schlägt auch sein Erstling aus. Und das heftig. Ein ziemlich wilder Ritt ist das, eine schräg wie bizarr durch diverse Stimmungen und Tonalitäten springende Reise, die sich nie so recht einordnen lassen will. Come to Daddy häutet sich buchstäblich dermaßen häufig, dass er kaum auszurechnen ist und sich tatsächlich nur sehr schwer vorhersehen lässt.

 

Das alles ist auf der narrativen Ebene zwar hochgradig konstruiert, aber zumindest bis auf leichte Längen im Mittelteil durchgängig unterhaltsam. Sicher, nicht jede Idee funktioniert, und nicht jeder Gag zündet, aber Timpson hält das Tempo hoch und liefert Wendung um Wendung, während er zugleich mit offensichtlichen Motiven der entsprechenden Genre spielt. Das verleiht Come to Daddy lange eine angenehme Undurchschaubarkeit, die allerdings gegen Ende zu Gunsten deutlich konventionellerer Erzählstrukturen weichen muss und in einer vergleichsweise kraftlosen Auflösung mündet, wenn dem Drehbuch auf den letzten Metern dann doch Luft und Ideen ausgehen. Das ist schade, denn da wird so einiges an Potential liegen gelassen, den Namen Ant Timpson sollte man aber vielleicht doch im Hinterkopf behalten.

 

6 von 10 wirklich beschissenen Frisuren

 

 

Free Fire (2016)

30. Januar 2018 at 13:00

 

 

© StudioCanal UK

 

 

 

„I’m not talking about your fucking Hollywood. I’m talking about the real Holywood. Holywood, County Down, Northern Ireland.“ – „You guys got a Holywood too?! That’s great. That’s what I like about this business. It could be financially rewarding and you can still learn something new everyday.“

 

 

 

Als ein Deal zwischen einigen IRA-Männern und amerikanischen Waffenhändlern schrecklich schief geht, stehen sich plötzlich ein Dutzend Gangster in einer Lagerhalle randvoll mit Waffen und Munition gegenüber und es dauert nicht mehr lange, bis die ersten Schüsse fallen.

 

In Ben Wheatley setze ich große Hoffnungen für das Genre-Kino: sein Film Kill List hat mir damals komplett den Schalter rausgehauen und mich verstört zurückgelassen. Sightseers war inszenatorisch zugänglicher und lockerer, glänzte dafür durch herrlich schwarzen Humor. Und High-Rise ist eine kongeniale J.G. Ballard-Verfilmung voller zivilisatorischem Wahnsinn und Anleihen bei Cronenberg, eine Art vertikales Gegenstück zu Snowpiercer. Und nun also Free Fire, ein actionlastiges Kammerspiel, ein bleihaltiger Ensemblefilm in fettem wie unironischem 70er Jahre-Anstrich. Ein Waffendeal, der furchtbar schief geht. Ein räumlich begrenzter Schauplatz, zwei Handvoll Personen mit undurchsichtigen Absichten und das Vielfache an geladenen Waffen – nein, es braucht wirklich keine Voraussicht, um dieses Pulverfass als solches zu erkennen. Dass es in der Konstellation zügig knallt, ist somit keineswegs überraschend. Andere Filme machen den großen Shootout zu ihrem Höhepunkt im Finale, Free Fire zelebriert eine geradezu absurde Eskalation der Gewalt über zwei Drittel seiner Laufzeit und erhebt den nicht mehr enden wollenden Schusswechsel zu seinem alleinigen Erzählprinzip.

Und genau da fangen die Probleme von Free Fire an, wenn Ben Wheatley zu Gunsten seiner Inszenierung nahezu gänzlich auf einen Plot verzichtet: erzählerisch ist sein Film buchstäblich nicht mehr als eine einzige große Schießerei. Motivationen einzelner Figuren sind da genauso Nebensache wie die Figuren selbst: ihr einziges Merkmal ist, dass sie Teil dieses Shootouts sind. Dazu gibt es keine nennenswerten Sympathieträger in diesem Haufen von Gangstern und Handlangern. Eines von beiden kann ich in der Regel verschmerzen, aber wenn ich weder eine handfeste Story noch zumindest halbwegs sympathische Figuren habe, dann muss mich ein Film schon irgendwie anders durch Besonderheiten überzeugen. Leider gelingt das Free Fire nicht so richtig, denn die rund einstündige quasi Dauer-Schießerei ermüdet auch irgendwann. Zumindest sind die Dialoge on point und der verbale Schlagabtausch temporeich und mit einer ordentlichen Dosis Zynismus versehen. Letztlich destilliert Wheatley mit Free Fire das Genre des Gangsterfilmes auf seine rudimentärsten Bestandteile und kocht einen zwar interessanten, jedoch nur bedingt schmackhaften Sud aus 70er Jahre-Look, Blei, Blut und Beleidigungen, der phasenweise zwar unterhält, aber auch mangels Abwechslung irgendwann Abnutzungserscheinungen aufweist. Es ist schon etwas schade, aber für mich ist Free Fire der bisher schwächste Film von Wheatley. Meine Hoffnung in ihn als Regisseur schmälert das jedoch kaum und zusammen mit Namen wie Edgar Wright, Jeremy Saulnier und S. Craig Zahler gehört er für mich nach wie vor zur Speerspitze eines neuen Genrekinos.

 

6,5 von 10 abgeprallte Querschläger

 

 

The Hallow

31. Mai 2017 at 16:02

                    © MFA Film

        

 

 

„Hallow be their name / And blest be their claim / If you who trespass put down roots / Then Hallow be your name.“

 

 

 

Als Adam und Clare mit dem Säugling Finn von London in die Wälder Irlands ziehen, ahnen sie noch nicht, was ihnen und ihrem Sohn noch bevorstehen wird. Nicht nur, dass der Nachbar unheimlich und aufdringlich wirkt und generell der ganze Ort den Neuankömmlingen gegenüber ausgesprochen ablehnend reagiert, scheint tief in den Wäldern etwas zu lauern, das es offenbar  auf den kleinen Finn abgesehen hat.

 

The Hallow ist der erste Langfilm des irischen Regisseurs Corin Hardy, der zuvor einige Kurzfilme und vor allem Musikvideos für Acts wie The Prodigy, Biffy Clyro, Olly Murs oder Paolo Nutini gedreht hat. Der in Irland gedrehte Horrorfilm, welcher auch Elemente der irischen Folklore und Sagenwelt aufgreift und verarbeitet, feierte seine internationale Premiere 2015 auf dem Sundance Festival und war hier erstmals auf dem Fantasy Film Fest zu sehen. The Hallow ist für ein Regiedebüt erstaunlich souverän und selbstbewusst in seiner Inszenierung ausgefallen, versehen mit einem guten Gespür für Tempo und Timing und Hardy hat sehr konkrete Vorstellungen von dem, was er ausdrücken will. Zwar ist die Handlung nahezu frei von Überraschungen und im Kontext des Genres relativ formelhaft, dafür aber weiß das frische Setting zu gefallen und die Atmosphäre ist angenehm dicht und düster. Lange spielt Hardy geschickt mit der Erwartungshaltung des Zuschauers und setzt für rund eine Stunde sehr routiniert auf das nur allzu bekannte Wechselspiel aus Spannung und Anspannung, nur um dann für das letzte Drittel die Spannungsschraube immer weiter anzuziehen, wenn sich ab einer wichtigen Schlüsselszene nicht nur das Tempo deutlich erhöht, sondern The Hallow auch die Wandlung vom stimmungsvollen Gruseler zum Creature-Horror vollzieht. Dass dieser Bruch nicht abrupt und spürbar irritierend erfolgt, verdankt der Film seinem Drehbuch, welches schon zuvor immer wieder gezielt Indizien setzt für die Dinge, die da wohl möglich noch folgen werden. Zunächst scheint The Hallow den Konflikt zwischen der fortschrittlichen Zivilisation und den mythischen Überlieferungen von einst nachzuzeichnen, ein klassischer wie inzwischen arg überstrapazierter Plot, doch Hardy ist sich durchaus bewusst, das ein solch biederer Ansatz heutzutage eben nicht mehr ausreicht, und lenkt seinen Film im letzten Drittel geschickt in die Body Horror-Schiene, wenn es ihm gelingt, den sich immer weiter zuspitzenden Konflikt umzudrehen. Das Design der Kreaturen ist überwiegend hübsch altmodisch umgesetzt, weitestgehend handgemacht, kommt überwiegend ohne digitale Effekte aus und auch die Hintergründe dieser Wesen hinterlassen durchaus einen unangenehmen Beigeschmack. Passable darstellerische Leistungen und ein ganz wunderbar eingefangenes Naturpanorama erhöhen dann noch die Schauwerte von The Hallow, können jedoch über die erzählerischen Schwächen nicht hinwegtäuschen.

 

Corin Hardy geht mit seinem Regiedebüt durchaus eigene Wege und hat gute Ideen, kann sich aber letztlich nicht von den genreüblichen wie formelhaften Erzählstrukturen lösen. Die Handlung ist weitestgehend vorhersehbar und die Figuren schablonenhaft eindimensional, aber das interessante und noch einigermaßen unverbrauchte Setting und eine dichte Atmosphäre garniert mit tollen Monstereffekten machen The Hallow für Horrorfans dennoch sehenswert. Und auch einen nicht zu leugnenden Hauch Gesellschaftskritik hätte Hardy sich in einer solch diffusen Ausformulierung letztlich sparen können, doch sein Gespür für Tempo, Timing und Atmosphäre lässt sich nicht abstreiten.

 

6,5 von 10 Vögeln im Kinderzimmer

 

 

The Lobster

31. Dezember 2016 at 17:49

 

 

© Picture House Entertainment/A42

 

 

 

„We dance alone. That’s why we only play electronic music.“

 

 

 

David wird von seiner Frau für einen anderen Mann verlassen. Das Problem hierbei: er lebt in einer nicht allzu fernen Zukunft, in der Singles nicht toleriert werden. Wird ein Mensch verlassen oder stirbt sein Partner, dann muss dieser sich in ein Hotel voller anderer Verlassener begeben. Dort hat der Betreffende dann 45 Tage Zeit, einen neuen Partner zu finden, doch gelingt ihm dies nicht, dann wird er in ein Tier seiner Wahl verwandelt und in der Wildnis ausgesetzt…

 

So geht es zu in der dystopischen Welt, die der griechische Regisseur Yorgos Lanthimos für rund zwei Stunden Dauer mit seinem ersten englischsprachigen Film auf der Leinwand entwirft: wer keinen Partner hat, wird dazu gezwungen, sich einen zu suchen. Alleinstehende werden nicht geduldet, ausgegrenzt, interniert. Seine Vision der modernen Gesellschaft ist völlig auf Paarstrukturen ausgelegt, der Hauptaugenmerk bei der Partnersuche liegt auf rein oberflächlichen Merkmalen und das einzelne und somit vielleicht freiere Individuum bekommt dort keinen Raum mehr zur Entfaltung. Gefühle spielen, wenn überhaupt, nur noch eine maximal untergeordnete Rolle und auch die Kommunikation untereinander ist lediglich auf reine Zweckmäßigkeit ausgelegt. Seine Herangehensweise ist dabei die gleiche wie noch bei seinem Film Dogtooth (2009), wenn er sich einem gesellschaftskritischen Thema annimmt und dieses in einem überspitzten Mikrokosmos wie unter einem Vergrößerungsglas weiterspinnt, dreht und wendet. Angetrieben von den Erzählungen einer Stimme aus dem Off, durch die der Film beinahe schon den Charakter einer Literaturverfilmung bekommt, zieht uns Lanthimos immer tiefer und tiefer in seine skurrile, befremdliche wie gleichsam vertraute und seltsam kühle Welt, erklärt Regeln und Mechanismen und erlegt sie seinen Figuren auf, ohne das diese jemals ernsthaft hinterfragt werden, und seien sie noch so bizarr. Und das wirklich absurde bei all diesen Abstrusitäten ist: beschließt David erst einmal kurz vor Ablauf seiner Frist zu fliehen, trifft er schließlich im Wald auf eine Gruppe von aussätzigen Singles, die sogenannten Loner, die auch von den Bewohnern des Hotels mit Betäubungsgewehren gejagt werden. Jeder Abschuss bedeutet einen zusätzlichen Tag im Hotel.  Die Loner jedoch haben ihre ganz eigenen, nicht weniger drastischen Regeln, das Individuum und seine Entfaltung stehen hier über allem, jeder für sich. Flirten, Küssen, sich verlieben oder gar Sex sind verboten und stehen unter drastischen Strafen. Hier trifft David auch auf eine Frau, verkörpert von der wundervollen Rachel Weisz, in die er sich ironischerweise letztlich verliebt und erneut die Flucht planen muss. Der vermeintliche Ausweg entpuppt sich als kaum weniger schrecklicher Albtraum. Natürlich zeigt uns Lanthimos mit The Lobster letztlich eine Allegorie auf bestimmte Teile der modernen Gesellschaft und nutzt seinen absonderlichen Plot für eine vielschichtige Reflexion über das heutige Paarverhalten und die Liebe in unseren schnelllebigen Zeiten. Über Online-Dating, Tinder, Lovoo und Konsorten, eine Welt voller Matches, voller Oberflächlichkeiten, voller Angst vor dem Alleinsein. Lanthimos führt uns vor, wie wenig wir mit uns selbst zu Recht kommen, wie schwer es heutzutage fällt, sich als (glücklicher) Single aufrichtig definieren zu können. Partnerschaft um jeden Preis, koste es was es wolle, und seien es die individuellen Freiheiten, nur um nicht allein sein zu müssen. The Lobster ist vor allem ein Film über das Arrangieren mit Umständen, die nicht zu einem gehören, über das gefallen wollen, anstatt gemocht zu werden, über das Abstreifen grundlegender Elemente der eigenen Persönlichkeit, eingetauscht gegen bequeme wie hohle, allenfalls oberflächliche Charakteristika. So humorvoll wie zynisch macht Lanthimos seinem Zuschauer die Korrelation zwischen Selbstdarstellung und Außenwahrnehmung geradezu überdeutlich, treibt sie auf die Spitze, bleibt aber dennoch am Kern ohne es ins Lächerliche zu ziehen oder sich darüber abfällig lustig zu machen.

 

The Lobster ist auch irgendwie exemplarisch für das vergangene Kinojahr 2016: es gab sie durchaus, die Perlen der Filmlandschaft, aber man musste sich schon die Mühe machen, diese auch zu entdecken. Yorgos Lanthimos hat mit seinem jüngsten Werk eine herrlich absurde wie zutiefst wahre Parabel auf die Liebe im modernen Zeitalter abgeliefert, die mich nachhaltig beeindruckt hat, die lange in meinen Gedanken Nachklang fand und die zweifellos noch lange von Bestand bleiben wird. The Lobster ist klug, düster, skurril, wunderschön, dramatisch, grausam, witzig, verrückt, schmerzhaft und zutiefst ehrlich und ließ mich ziemlich sprachlos zurück. Eine unbedingte Empfehlung!

 

9 von 10 Tieren im Wald